Rezension: „Days of Wine and Roses“ ist ein vom Alkoholismus geprägtes Feelbad-Musical

Die wirkungsvollste aktuelle Werbung gegen Alkoholismus – in der Tat eine krasse, brutal warnende Geschichte über Alkoholismus – ist ein 95-minütiges Musical. „Days of Wine and Roses“ (Atlantic Theater, bis 16. Juli) unter der Regie von Michael Greif, basierend auf dem Stück von JP Miller und einem Film aus dem Jahr 1962 mit Jack Lemmon und Lee Remick in den Hauptrollen, ist aus vielen Gründen ungewöhnlich, nicht zuletzt, weil es sich um ein seltenes Geschöpf handelt , ein Wohlfühl-Musical (eigentlich ein Gefühl-wirklich-wirklich-schlechtes Musical).

Was es auch auszeichnet, sind seine preisgekrönten Broadway-Königsstars Kelli O'Hara und Brian D'Arcy James (Tony wurde dieses Jahr für „Into the Woods“ nominiert), die dem Publikum eher für ihre guten oder fesselnden Hauptrollen bekannt sind Figuren. Stattdessen spielen sie hier ein Paar in einer gnadenlos erniedrigenden, deprimierenden Abwärtsspirale. Als Kirsten Arnesen und Joe Clay repräsentieren sie zumindest in den ersten 10 Minuten die Art von sexy Partnerschaft, die normalerweise sprühen und glänzen würde – beide sind attraktive und charmante Darsteller –, aber in Days of Wine and Roses zerfallen sie vor ihnen uns, die giftigste aller Partnerschaften im freien Fall.

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Das Buch von Craig Lucas und die Musik und Texte von Adam Guettel versuchen nicht, dem Stück irgendeine Art von musiktheatralischer Leichtigkeit zu verleihen; „Days of Wine and Roses“ ist eine steile Skipiste voller Sucht und Elend, und die rohe Zurschaustellung von beidem fand großen Widerhall bei dem Publikum, in dem dieser Kritiker saß.

Höflicher, gedämpfter Applaus begrüßte die schroffen, rätselhaften Lieder (ein mitreißenderer begrüßte d'Arcy James, als Joe seinen Schwur sang, endlich mit dem Dämonengetränk aufzugeben). Er und O'Hara singen wunderschön, aber es ist schwer, einem ihrer Lieder und schmerzvollen Arien zu applaudieren, während sie den Untergang dieses Paares darlegen. Es gibt Ausbrüche fröhlicher Choreografie (von Sergio Trujillo und Karla Puno Garcia), die sich ähnlich anfühlen wie fröhliche Luftballons bei einer düsteren Beerdigung. Um mich herum seufzten die Menschen, während Joe und die noch selbstzerstörerischere Kirsten immer tiefer sanken und eine schreckliche Entscheidung nach der anderen trafen.

Wir treffen sie zum ersten Mal 1950 in New York, Joe ist von seinem Dienst in Korea zurückgekehrt und jetzt ein fröhlicher PR-Mann. Ein volles Glas hat er immer in der Hand. Kirsten, eine kühl-glamouröse Chefsekretärin, sagt, sie trinke nicht: „Ich verstehe den Sinn nicht.“

„Macht ein gutes Gefühl“, sagt Joe. „Ich fühle mich schon gut“, antwortet sie. Dann bestellt er einen Brandy Alexander für sie, und das war's – das Gift wurde injiziert. Bald spürt sie die Auswirkungen. „Ich hatte keine Ahnung, worüber die Leute sprachen, dieses [Gefühl... UH!] ... ich möchte einfach ... ich möchte rennen, ich möchte ... das Tempolimit überschreiten ...“

(LR) Caleb Eberhardt, Bob von Moreno, Shannon Tyo, Susannah Flood, Brittany Bradford (Monique Carboni).

An diesem ersten Abend bringt der Alkohol alles zum Glänzen, vor allem weil ihre Romantik frisch ist, doch dann führt uns das Musical durch verschiedene Szenen aus den Jahren ihrer implodierenden Ehe. Ein betrunkener, arbeitsgestresster Joe schreit, er wolle nicht mit einem unruhigen Baby schlafen, sondern mit seiner Frau. Wir sehen Kirsten, die tagsüber ein verrücktes Liedchen singt, als Hausfrau, deren Nachlässigkeit mit einem Streichholz sie und ihre Tochter Lila (Ella Dane Morgan) fast umbringt.

Ein Fehler in der Serie besteht darin, die Wurzeln von Joes Sucht klar zu erkennen – posttraumatische Belastungsstörung aus Korea, Arbeitsdruck, so große Anstrengungen im Leben –, bei Kirsten jedoch weniger. Liegt ihr Abstieg nur an der Einstiegsdroge dieses Brandy Alexander? Liegt es an Joes Verhalten in der Ehe, an den Anforderungen der Mutterschaft, an der Trauer um ihre tote Mutter oder an einer Mischung aus beidem? Ist es eine körperliche Sucht, die immer mehr außer Kontrolle gerät? Die Hintergründe ihres Alkoholismus und ihrer Unzufriedenheit sind weniger klar umrissen als bei ihm.

Joe und Kirsten versuchen nüchtern zu werden, rutschen dann aber aus, als Joe das Gewächshaus seines Schwiegervaters auf der Suche nach verstecktem Alkohol zerstört. Joe geht es besser, Kirsten geht es schlechter (ein besonderer Dank geht an David Brian Browns Haardesign, das diese Veränderungen mit gepflegten und ungepflegten Looks zum Ausdruck bringt). Joe wird mit Hilfe des geduldigen, weisen Alkoholikers Jim (David Jennings) nüchtern, dann lockt Kirsten Joe zurück auf die dunkle Seite. Sie versucht sich zu erholen und schafft es dann nicht: „Die Welt sieht für mich so schmutzig aus, wenn ich nicht trinke. Es tut mir leid. Vergiss mich nicht!“ sie sagt, als ihre Ausstiegslinie.

O'Hara und D'Arcy James sind fest entschlossen, die Rolle von Kirsten und Joe zu spielen – und nicht zu glänzen, sie nicht schmackhaft oder angenehm zu machen, wenn der Alkohol sie im Griff hat – obwohl dies ein schwieriges Musical ist, nicht nur zum Anschauen, aber auch zum Gelieren. Das Paar ist schrecklich füreinander. Wir wollen nicht, dass sie zusammen sind; Wir sind der Meinung, dass sie als Kirstens Vater (ein stürmischer Byron Jennings) sehr weit voneinander entfernt sein sollten, selbst wenn man die Liebe berücksichtigt, die sie unter all den leeren Flaschen für Lila teilen.

Ihre Lieder sind wie Glasscherben, Erinnerungs- und Schmerzblitze und entschlossene Trotzschreie. Es handelt sich um ein grobes Puzzle aus Elementen, angesichts des Themas vielleicht auch notwendigerweise. Ähnlich wie bei „A Little Life“ ist es eine pornografische Lüsternheit, zuzusehen, wie die Dinge erst schrecklich und dann noch schrecklicher werden – aber wie bei der letztgenannten Serie wird dies eher zu einer unerträglichen als zu einer zwanghaften Angelegenheit, wenn die Dinge immer schlimmer werden und immer schlimmer werden.

Die Theaterproduktion endet tatsächlich anders als der Film – mit einem Hinweis auf eine positive Zukunft oder zumindest einer Absichtserklärung, sie besser zu machen. Es ist ein dürftiger Brocken und entspricht absolut dem kompromisslosen Geist der Show. Vielleicht verlassen Sie das Theater mit dem Wunsch nach einem kräftigen Getränk und bestellen am Ende einen Kamillentee.

Die Comeuppance

Es gibt Elemente von The Big Chill über Branden Jacobs-Jenkins‘ Stück The Comeuppance unter der Regie von Eric Ting (Signature Theatre, bis 25. Juni). Eine Gruppe von Highschool-Freunden trifft sich zwanzig Jahre nach ihrem Abschluss in einem Vorort von Maryland wieder – und ein paar Jahre, seit sie sich alle das letzte Mal gesehen haben.

Heute Abend ist ihr 20. Highschool-Treffen und Mitglieder der selbstdefinierten „Multi-Ethnic Reject Group“ treffen sich auf Ursulas Veranda (Brittany Bradford), bevor sie sich auf den Weg zur Hauptveranstaltung machen. Alkohol und Spliffs werden konsumiert, es wird gelacht, Albernheiten brechen aus, Flirts brodeln, Eifersucht, Schmerz, Wut und dunkle Erinnerungen tauchen wieder auf, Wahrheiten werden gesagt. Ursula hat kraftvolle Krüge voll Alkohol gebraut, die die emotionale Entfachung des Abends anheizen werden, während die Gruppe befragt, wer sie waren und wer sie jetzt sind – mit verdrehten Litaneien über Ehen, Beziehungen, Kinder, Jobs, Ambitionen, Geheimnisse und Lügen.

Jacobs-Jenkins hat größere Absichten als nur die Wiedervereinigung dieser Gruppe von Freunden – gespielt mit einem betörenden Naturalismus von Bradford, Caleb Eberhardt (Emilio), Susannah Flood (Caitlin), Bobby Moreno (Francisco) und Shannon Tyo (Kristina). Zum einen macht Jacobs-Jenkins neben dem Ringen mit persönlichen Dämonen, Verweisen auf den 11. September, der COVID-Pandemie, Kriegen und den politischen und kulturellen Krisenherden der letzten 20 Jahre deutlich, dass es sich um ein Stück über eine Generation handelt, die sich hilflos fühlt und auf schädliche Weise verblüfft darüber, in was für einer Welt sie aufgewachsen sind.

Näher zu Hause ist Emilio wütend, als er sieht, dass Francisco und Caitlin wieder eine romantische Verbindung eingehen, nachdem er Caitlin seiner Meinung nach dabei geholfen hat, den Schaden zu beseitigen, den sie in der Highschool angerichtet haben, als sie in einer Beziehung waren. Emilios Wut ist das Pulverfass des Stücks – vor allem, als er den ehemaligen Soldaten Francisco angreift, während dieser nach einem Anfall auf dem Bauch liegt.

Dann gibt es den Tod.

Der Tod ist eine Figur in der Serie, deren verzerrte Stimme wir zuerst und zuletzt durch Emilio hören, die aber auch durch die anderen Figuren spricht. Der Tod soll uns daran erinnern, dass Schicksal und Zeit letztendlich für uns alle reichen werden. In einer großartigen Rede erzählt uns der Tod, dass ihm während der COVID-19-Krise aufgefallen sei, dass die Menschen sich seiner unmittelbaren Präsenz nicht nur stärker bewusst geworden seien als je zuvor, sondern auch, dass diese Präsenz die Menschen eine Zeit lang im Allgemeinen netter gemacht habe. „Was ist mit euch allen seit dieser sanfteren Zeit passiert“, fragt uns der Tod ironisch, während er seine Aufmerksamkeit auf eine bestimmte Figur auf der Bühne richtet, während die Lichter ausgehen.

„The Comeuppance“ ist sanft packend und durchaus grübelnd und erzählt die Geschichte einer Generation, die versucht, ihren Dämonen zu entkommen – und die das Rennen zwar nach und nach verliert, während die Stoppuhr unbarmherzig läuft, das Rennen aber immer noch mit ebenso viel Zielstrebigkeit, Ironie und Substanz weiterführt Tapferkeit, wie sie nur aufbringen kann.

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